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Florence review

Posted : 1 month, 1 week ago on 17 February 2024 04:57 (A review of Florence)

Un juego paupérrimo hecho solo para hombres incompletos circuncidados blu ray

esto es para rellenar listal me pide 100 caracteres jaja perdedores


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Monsters, Inc. review

Posted : 6 months ago on 26 September 2023 02:32 (A review of Monsters, Inc.)

Pixar fue una empresa como ninguna otra, creada por gente visionaria y con el afán último de innovar y revolucionar la animación. Gente como esta las hay pocas, y por esa misma razón, empresas como Pixar las han habido pocas. En su época dorada, Pixar reflejaba en sus películas esta misma perspectiva visionaria, pero no únicamente en su potencia gráfica o calidad general, si no incluso también en la filosofía que plasmaban. Bichos tenía esta linda canción tema que rezaba en un verso: "el sentido común está bastante sobrevalorado", en referencia a la grandiosa idea de pensar fuera de la caja. En la tesis de aquella película, el protagonista era alguien fuera del molde, que innovaba y lideraba a un grupo para hacer grandes cosas, haciéndolos así, más grandes personas. Monsters Inc por ende, teniendo el concepto que tiene, fue la película perfecta para representar esta misma filosofía empresarial del Pixar de aquél entonces.

Desde su tesis, Monsters Inc es esencialmente, una crítica al corporativismo. En una empresa creativa como Pixar, lo principal era la innovación, el arte, la creatividad. En cierto modo, es una película que deja en claro un sentimiento en la compañía, no dejar consumir sus buenos valores. Quizá en tiempos actuales esto suene un poco triste, porque es irónicamente lo que está sucediendo. Pero no deja esto de ser una fantástica muestra de lo que alguna vez se pensó en aquella empresa y de lo que alguna vez fueron capaces.

La trama es ya conocida, en la compañía de Monsters Inc, los monstruos consiguen energía de asustar niños. Una vez que Mike y Sullivan accidentalmente llevan a una niña al mundo de los monstruos, poco a poco van descubriendo que los niños no son la figura tan ajena que les hacía creer su jefe, únicamente existentes para conseguir energía en su mundo, si no también personas como ellos con los que son capaces de conectar. Es por mayor practicidad, facilidad y eficiencia que el jefe de la compañía se niega a ver este lado de los niños humanos para así convertirles en simples herramientas de su sociedad. Si uno lo piensa un poco, es una trama muy densa. Esencialmente, es una metáfora sobre un jefe de empresa que no ve individualidad en las personas, y decide aprovecharse de la gente como herramientas a favor de un beneficio monetario. Ahí es cuando la tesis de la película resuena bastante, pues Mike y Sullivan consiguen cambiar el paradigma de la empresa a una que, en vez de sostenerse en los gritos de los niños, se sostiene en sus risas. Un camino más complicado y menos eficiente, sí, pero también uno más cercano al amor, y que se permite volver a la empresa una cimentada en el apoyo a las personas. En esto, es también muy ingeniosa la metáfora de una empresa de monstruos interactuando con humanos, pues se trata de una asociación a las diferencias que se perciben entre los trabajadores de una empresa y la gente que está afectando.

Fuera de la metáfora, es una película divertidísima, tanto como las películas de Toy Story. Esto es en parte gracias a sus geniales dinámicas de personajes. Pero estos personajes también, son capaces de volver a la película una muy conmovedora independientemente de si se entiende la metáfora principal o no, y eso es muy importante, pues nuevamente, hay una capa adulta y una capa infantil en la película, pero en ambos casos, la historia es capaz de emocionarte.

La innovación visual que trajo Monsters Inc consigo fue tener que lidiar con la animación de personajes cubiertos de pelaje, contando con un movimiento detallado y una iluminación compleja. Para esto, se hizo como práctica de movimiento, pequeñas plumas en el corto For the Birds; Acerca de unas aves subidas a un cable eléctrico, uno que probablemente muchos de ustedes recordarán.

Otro clásico de Pixar consecutivo y otra de las mejores películas del estudio.
La próxima reseña será Buscando a Nemo.


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Toy Story 2 review

Posted : 6 months, 1 week ago on 19 September 2023 06:36 (A review of Toy Story 2)

Pixar ha demostrado ya, hacer muy buenas películas; Significativas emocionalmente, innovadores en el CGI y con una comedia excelente para toda la familia. La pregunta que surgió con Toy Story 2 es si Pixar era capaz de hacer buenas secuelas. La respuesta no solo fue un definitivo Sí, pero incluso, hoy día resulta impensable separar a Toy Story de sus dos secuelas posteriores. Hoy nos enfocaremos en la segunda.

Quién diría que el concepto de juguetes vivientes daría para tanto. La primer película jugó a la perfección con esta temática dándole conflictos de identidad a sus personajes protagónicos, una secuela de Toy Story por ende, no solo significa volver a hacer algo divertido, pero tratar de equipararse a lo emocional y significativo que era el conflicto de Buzz y Woody en la película anterior. Esto último lo ha logrado tan bien que para muchos esta es su preferida. En cuestión de premisa, es la evolución lógica, pasamos de una película enfocada en la relación de los juguetes y sus dueños, a una enfocada en una tienda de juguetes y el coleccionismo de estos. Vamos, una perspectiva del juguete mucho más distante a la de la anterior película. Esto expande más el concepto de los juguetes vivientes en cuestión de situaciones y escenarios, pero al mismo tiempo es parte de la metáfora principal en el argumento.

Aquí, Woody se rompe un brazo y se enfrenta a la problemática de "qué pasaría si Andy ya no me quiere". Esto hace contraste a la película anterior que consideraba al niño un objetivo para los protagonistas y no parte de una problemática (a pesar del conflicto de Andy prefiriendo a Buzz sobre Woody, el tema terminaba dirigido hacia la relación de Woody con Buzz, antes que su relación con Andy). Esto vuelve a la temática una muy relevante, pues ahora el hogar y zona de confort de Woody es puesto a duda, haciéndole ver que realmente tal zona de confort no puede existir para él, pues esta no se trata únicamente sobre hacer las paces con algún juguete nuevo, ser juguete implica poder ser desechado. El escenario distante e impersonal del coleccionismo de juguetes es lo que le da a Woody la oportunidad de poder evitar confrontar el riesgo y posible decepción que implica servir a un niño. Ahí encuentra a Jessie, un juguete de vaquera similar a él que fue abandonada y por ende teme a esta misma vida de la que Woody considera huir.

Por supuesto, si la primer película es metafórica a un conflicto existencial referente a la identidad, esta va encaminada al dilema del famoso Ser o No Ser; Vivir, con toda la dificultad, temor y riesgo que implica. O no existir, como si se estuviese cómodo en una vitrina, más sin propósito ni razón para amar. La relación de los juguetes con sus dueños, y en este caso de Woody con Andy, es metafórico al amor que se puede experimentar al decidir existir, pero cada posible riesgo, decepción y abandono, es lo que conlleva decidir vivir. No hay duda de por qué esta es la película favorita de muchos en la franquicia, no solo es un conflicto y dilema muy humano, si no profundo y bien sintetizado en una metáfora infantil. Al final, por supuesto, Woody y Jessie deciden arriesgarse a salir de una vida como exhibición, mientras Capataz, el antagonista obsesionado con esconderse en su propia caja de fábrica, acaba en el destino que menos quería por su resentimiento a la decisión de "existir".

Argumentalmente es una película blanda en construcción ya que todo gira en torno a la metáfora, esto trae consigo uno que otro hueco argumental que ya estaba presente en la primer película. Nada muy relevante, pero nuevamente trae dudas sobre la veracidad del conflicto físico llegado el clímax de la película. En cuestión de comedia, esta película es igual de buena que la anterior, con muchas escenas y gags que la gente sigue recordando a día de hoy, ya sea la batalla contra Zorg, los muchos Buzz Lightyears, las Barbies, y por supuesto, cómo olvidarlo, el coleccionista de juguetes, gordo y con disfraz de gallina. Una de las mejoras más considerables a nivel visual, es lo tanto que han mejorado los modelos humanos, esto por supuesto, es algo que ya llevaba Pixar practicando desde su cortometraje Geri's Game, acerca de un viejito de juega ajedrez consigo mismo (algunos lo recordaran). Este personaje hace un cameo en la película como el reparador de juguetes.

Bien se ha sabido que hacer esta película conllevó un trabajo infernal, con fechas límite abismalmente cortas para los animadores. Una de las anécdotas más peliculeras sin embargo, es cuando toda la película fue borrada del sistema por accidente, justo antes de ser terminada. Lograron recuperarla únicamente por una empleada que tenía una copia de la película guardada para trabajar en casa mientras atendía su situación familiar. La película salió excelentemente bien e hizo valer todo el sacrificio puesto para crearla. Una vez más, Pixar demuestra ser uno de los mejores estudios de su tiempo, creando otro clásico consecutivo y una de las películas de animación más recordadas de la historia. Esta buena racha sin dudas continuaría por mucho tiempo más.

La próxima reseña será a Monsters Inc.


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A Bug's Life review

Posted : 6 months, 2 weeks ago on 16 September 2023 01:37 (A review of A Bug's Life)

Okeeey genteee, ya terminado el video de Elemental (que tardó bastante más de lo que esperaba), se puede continuar con las reseñas semanales de Pixar. Dependiendo la recepción, puede que esta semana suba una reseña diaria como compensación a la tardanza.

Pues bien, seguimos con Bichos. Creo yo, la película menos recordada y menos valorada de la etapa clásica de Pixar. Esto lo puedo entender comparando los chistes y tono de la película a Toy Story. En este caso, es verdad que los chistes no son tan "memorables" en el sentido de que no son "meméticos", como sí los son los diálogos y escenas de Toy Story. Esto debido a que Bichos juega casi enteramente con gags visuales respecto al mundo de los insectos, cosa que no viene tanto a la mente como sí las interacciones de Woody y Buzz o los marcianitos de Pizza Planeta. De igual forma, se puede señalar a que Bichos tiene una comedia y contexto mucho menos agradable y más crudo. No solo hablamos de insectos, algo que para muchos es desagradable aun si la película hace un esfuerzo porque sus diseños sean simpáticos (sin dudas mucho más a la versión "oscura" de DreamWorks), pero también es una película en la que mueren personajes, en donde hay una cantina y donde uno de los personajes protagónicos es una catarina cuyo chiste es ser "confundido con una mujer". En cualquier caso, nada de esto lo comento como un punto flaco, por el contrario, esto es parte del estilo que caracteriza a la película, sin embargo comprendo que para varios no sea tan atractivo o simpático.

En cuestión de concepto, hablamos de una película igual de ingeniosa que Toy Story con la temática de los juguetes. Bueno, quizá es verdad que bichos hablando, no es tan atrapante de a primeras como juguetes cobrando vida, pero funciona muy bien desde muchos puntos de vista. Primero, desde el punto de vista de diseño. Pixar todavía no estaba en condiciones para hacer una película sobre seres humanos, por lo que la decisión de tener personajes que son insectos fue muy inteligente, al igual que la decisión de personajes de juguete en Toy Story, esto les permitió jugar con diseños simples y geométricos haciendo que la película todavía luzca de diez a día de hoy. Segundo, el concepto de insectos es aprovechado para constantes chistes y juegos con relación a estos a lo largo de toda la película (recuerda a Elemental en ese sentido). Y tercero, la premisa es aprovechada desde un punto de vista filosófico, no muy distinto a El Rey León de Disney, aprovecha animales humanizados llevando a cabo sus roles naturales, para tratar un tema implícito sobre naturaleza humana, ESTO es lo más especial de la película.

Hay quienes dicen que Bichos es una alegoría al comunismo, es erróneo reducirlo solo a esto, pero sí, trata una metáfora que se puede expandir a un análisis social. El juego de contrastes va entre las hormigas y los saltamontes, una alegoría para un tipo de persona colectivista y otro individualista. Los saltamontes se benefician de las hormigas, pero el antagonista principal Hopper, sabe que debido a su capacidad de unir fuerzas, las hormigas pueden rebelarse contra ellos en cualquier momento, por ello es que pretenden tenerles controlados mediante el miedo para que el sistema siga funcionando a su beneficio, con la capacidad de unión de las hormigas siendo aprovechada únicamente para servir a los saltamontes, mientras carecen de estima propia. Si eres perspicaz, sí, ya te habrás dado cuenta de la densa metáfora social que esto implica.

El mensaje es, claro, sobre las hormigas aprendiendo a confiar en ellas mismas para unir fuerzas contra Hopper y compañía, pero el cómo se llega a esto es lo más importante. El protagonista Flik, es una hormiga exiliada por causar estragos al no poder servir al sistema de trabajo de sus compañeros, es alguien fuera del molde. Sin embargo, en su travesía, él logra reclutar a una serie de insectos que, de igual forma, son poca cosa en sus respectivos trabajos, para idear una manera de deshacerse del control de los saltamontes mientras le miente a su propia colonia haciéndoles creer que son más de lo que aparentan. Pese a que las hormigas terminan descubriendo el engaño de Flik, estas terminan valorando su esfuerzo y trabajo, porque aun si su plan se construía en una mentira, demostró su valor con lo que siempre fue capaz de hacer, así como una semilla puede crecer para ser un árbol. Es este reconocimiento de la capacidad de una persona lo que remarca la individualidad de cada hormiga en la colonia, y les permite así, poder unirse con aun más fuerza que antes.

Es esta matiz la que hace de su mensaje uno muy importante, pues no se trata sobre rendirse a una meta en colectivo, ni sobre hundirse en deseos propios de forma individualista, si no sobre trabajar ambos a la vez, considerar a la persona y reconocer su individuo, permitiendo que pueda seguir más y mejores metas en un trabajo colectivo. Esto se extrapola a ambientes de trabajo o sociedades, pero también a metas, aspiraciones propias y a la duda constante de "¿Cuál es nuestro lugar con los demás?". Nuevamente, es una demostración de la madurez y complejidad de Pixar mientras utiliza tramas sencillas, fáciles de entender y divertidas para todas las edades. Una de las mejores del estudio.

Si todo sale bien, mañana hablo de Toy Story 2.


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Toy Story (1995) review

Posted : 8 months, 2 weeks ago on 17 July 2023 02:38 (A review of Toy Story (1995))

Bueno, ya hace una semana de la reseña a Elemental, la aprobación fue adecuada, así que, vamos allá; A reseñar semanalmente todas las películas de Pixar una por una (en lo que subo nuevo contenido, etc).

Diría que empezamos con Toy Story, pero quisiera hablar primero de algo más; De los primeros cortometrajes del estudio. Estos primeros cortometrajes antes de su primer largometraje fueron: Luxo Jr, Red's Dream, Tin Toy y Knick Knack. Aunque se podría decir que antes que todas estas se encuentra el iconico "Las Aventuras de Andre y Wally B", sin embargo este cortometraje fue hecho en LucasFilm (donde trabajaban los pioneros de Pixar) antes de la fundación hecha y derecha del estudio. Podría decirse que gracias a este primer cortometraje (en buena parte) es que existió Pixar tal y como lo conocemos, es el cortometraje que convenció a Steve Jobs de financiar el estudio.

De estos primeros cortometrajes quisiera recalcar algo, que también es importante para hablar de Toy Story 1 (y de por qué Pixar funcionó tan bien). En Andre y Wally B, Pixar demuestra una gran hazaña a nivel de innovación técnica/tecnológica, pero también a nivel de movimiento orgánico y humano. Pese a que los dos personajes protagonicos están hechos de formas geométricas en bruto (específicamente esferas), el cortometraje funciona excelentemente bien por el nivel de vida que Pixar pudo darle a estos personajes mediante el movimiento pese a su evidente simpleza. De hecho una anécdota bastante curiosa y linda, es que al presentar el corto en la SIGGRAPH (la convención más importante de aquél tiempo con relación a gráficos de computador, el lugar donde se estrenó el corto), los creativos detrás del metraje estaban espantadísimos porque no lo tenían terminado. Tenían figuras que aun no se habían renderizado en su plenitud. Sin embargo al presentarlo, pese a lo aparentemente evidente del problema para ellos, absolutamente nadie llamó la atención al respecto: Ese es el poder de su técnica de animación. Pese a este fallo técnico, todos se mantuvieron inmersos y maravillados por la presentación.

En el primer cortometraje de Pixar, ya tal cual Pixar de modo formal: Luxo Jr. Se juega con algo similar, pero más complejo aún. Hacer que literales lámparas, objetos inanimados (que no tienen deformaciones o caras), puedan tener movimientos humanos creíbles que hagan al espectador empatizar. Esto lo lograron de una forma completamente magistral nuevamente. En Red's Dream, Tin Toy y Knick Knack se juega una vez más con objetos inanimados simulando vida de forma orgánica. Todos cortometrajes excelentes para su tiempo, pero me gustaría recalcar los dos últimos. En Tin Toy vemos a un pequeño juguete de un bebé huyendo de él. El bebé no luce del todo bien para estándares de hoy día, es un poco adefesio debido a la limitación gráfica de la época. Sin embargo, se logra animar al juguete de una forma magistral, perfectamente orgánica. Por esta razón, Knick Knack envejeció mejor, porque no hay personajes humanos en pantalla, todos son juguetes interactuando entre sí. De lejos es mi corto favorito de Pixar porque logra simular la acción, comedia, vida y movimiento de cortos antiguos como los de los Looney Tunes de una forma perfecta para la animación 3D, y con diseños MUY atractivos.

Ahí es cuando se volvió obvio que la primer película de Pixar no sería sobre humanos (aunque los tiene) si no precisamente sobre objetos inanimados. Los humanos vendrían cuando el poder gráfico se mejorara. Ahí llega Toy Story. Se debate si fue este o Cassiopeia (filme de Brasil, tengo entendido) el primer largometraje de animación 3D. Aquellos que defienden Cassiopeia dicen "es que este filme lo hace todo sin modelos humanos para comparar, Pixar hizo trampa". Pero (sin demeritar Cassiopeia, solo remarcando lo claro), pese a este argumento, inevitablemente, Toy Story luce mucho más orgánico, vivo y atractivo. No importa la ""pureza"" de la técnica de Cassiopeia, Toy Story logró hacer algo que, sin dudas, es una gran parte del por qué es recordado.

Sobre la trama, es excelente. Llena de huecos argumentales eso sí, pero excelente. El concepto de "muñecos con vida" trae una construcción de mundo nula, reglas ilógicas, y demás cosas que se notan en los primeros diez minutos. Pero eso es para quisquillosos (aunque siga estando allí, y haga que un par de escenas no funcionen tan bien a nivel guión), el guión de la película sigue siendo genial por su excelente dinámica de personajes aun recordada a día de hoy por todos quienes la vieron; La de Buzz y Woody.

En la película se introduce otro elemento clave del Pixar que todos conocemos ya amamos: Temas fuertes, para niños. Disney siempre trató temas fuertes, pero muchas veces era más en la implicación implícita. Pixar desde aquí, pretende ser más explícito. Toy Story es sobre la crisis de identidad y existencial de los dos personajes protagonicos. Woody, a quién se le ha despojado de su propósito, y Buzz a quién se le es destruido su sentido de realidad. Pese a esto, la película es muy cómica, y juega de un modo increíble con lo alegre y la tragedia, sin dudas otro de los elementos característicos de Pixar.

Amar Toy Story de adulto es la prueba fehaciente de que se siguen manteniendo en la adultez, aquellos maravillosos rasgos que nos hacían alegres en la niñez. Con esto dicho, me es imposible imaginar (porque no es algo de imaginar) la preciosa pasión y emoción de los guionistas/directores/productores/animadores/etc, que hicieron esta película en su tiempo. Hacer una película divertida, lo hacen muchos. Hacer una película ASÏ de divertida, qué hermosa hazaña.

El mensaje es precioso, de eso no hay ninguna duda. Ambos personajes, aun conociendo que "son juguetes" (muy metafórico por cierto), y específicamente con Woody, que él ha sido "intercambiado", ambos pueden vivir felices aceptando quiénes son, dónde están y con quiénes están. Grandiosa película.


La semana que viene, Bichos...


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Elemental review

Posted : 8 months, 3 weeks ago on 9 July 2023 04:22 (A review of Elemental)

Bueno, ya hace rato que tenía pendiente hacer mi reseña escrita de Elemental, así que ahí va...

Desde los trailers la película ya lucía muy MUY divertida. Su tipo de humor, era reminiscente a algunas de las mejores películas de la compañía (véase; Monsters Inc, Toy Story, Nemo, etc...), esto debido a que explotaba su escenario lo más que podía para hacer chistes con relación a este. También, visualmente se veía como lo mejor que había hecho Pixar en años. El estilo visual combina el sentimiento del 2D con el 3D perfectamente, mientras usa diseños buenísimos tanto para los personajes como para el escenario (el cual no es una ciudad aburrida como en Zootopia o Coco, si no un lugar colorido de verdad). Sin embargo, tenía una sola preocupación ¿Cuál sería el mensaje? Esta no fue una preocupación propia solamente, ya muchas personas desde los primeros vistazos a esta película estaban escépticos y/o se burlaban acerca de un probable mensaje sobre "diversidad", "multiculturalismo", "mezcla racial", etc, obviamente en una premisa en donde eso no suena nada coherente pues el agua mata al fuego, el fuego quema los arbolitos de los personajes tierra, etc.

Vista la película, se cumplió el que fuera MUY divertida y creativa. Efectivamente, aprovecha completamente su escenario. Esa era la razón de por qué fui a verla, esperaba una película entretenida y tal cual, es lo que recibí. Diría que era mi manera personal de "despedirme" del Pixar que todos conocemos y amamos, después de ver la película de La Quimera Roja. Visualmente estuvo de diez. Son los mejores visuales de Pixar, quizá desde Soul, pero es que incluso me convenció más que aquella película visualmente.
Ahora ¿Qué hay del mensaje? Pues, me encantó...

Elemental tiene un subtexto racial, eso es definitivo. A lo largo de la película, se puede discernir mediante chistes, o recurrencias visuales que cada elemento representa una raza humana en particular (véase; Los agua son negros, los fuego son chinos, los nube son blancos...). Pero, cuando vamos al mensaje principal de la película, resulta muy claro que poco realmente tiene que ver con este subtexto racial. Lo que realmente aporta a nivel temático es la correlación con las experiencias de inmigración del director. Hablamos de un director chino, que ha retratado su cultura e historia con los personajes "fuego", y pretende con esto hacer una metáfora sobre la sociedad americana intentando conectar con su familia, y viceversa, su familia intentando conectar con otra cultura.
Visto de ese modo, la película va realmente sobre "conexiones" y "vínculos". Vínculos a nivel cultural, pero también a nivel familiar, romántico, de amistad, etc. En este sentido, la metáfora de los elementos para representar "vínculos difíciles" da justo en el clavo y es igual de ingeniosa que las metáforas del Pixar clásico.

Aquí seguimos la historia de Ember, una chica que es incapaz de conectar con las personas que compran en la tienda familiar, y por ende debe aprender a crear vínculos. Su manera de poder generar estos vínculos con la gente cercana a ella misma, es logrando generar un vínculo con alguien opuesto a sí misma; Wade, el chico agua. Sin embargo, generar este vínculo afectivo requiere también de introspección personal, y eso implica para Ember redefinir su propósito.

Aquí es cuando llega en la película el "conflicto ya gastado" de Ember teniendo que desobedecer a los deseos de su padre respecto a su propio propósito. Sin embargo, a diferencia de la anterior "película" de Pixar sobre el tema; La Quimera Roja, en esta historia hay muchas diferencias muy importantes.

- En aquella película, la protagonista no aprendía nada de valor, aquí Ember aprende mucho, a conectar con sus semejantes y a conectar con aquellos que son diferentes a ella. No es una historia sobre narcisismo, es una historia sobre verdadero aprendizaje.
- En esta película, Ember jamás demuestra desprecio hacia sus padres. Por el contrario, uno de sus conflictos principales surge precisamente del hecho de que les ama.
- Aquí, se demuestran las ideas del padre como erróneas, pero porque verdaderamente lo son. La protagonista no busca algo realmente increíble más allá de poder cumplir sus propias metas y poder amar a su pareja (el cual hace buena dupla con ella) Y no, el agua no mata el fuego, pero no entraré en detalles que eso es Spoiler.

Hablando de esto último, la película juega muy bien con las motivaciones del padre, dejando en claro que su temor por las decisiones de su hija vienen de parte de la ocasión en que su padre le rechazó por creer que rechazaría su propia cultura. Amo este aspecto de la película también, porque muestra dos cosas muy importantes:
1) La importancia de formar un fuerte y sano vínculo familiar. 2) Obtener la capacidad de apreciar tu cultura e historia sin dejar de lado quién eres tú en realidad.
Nuevamente, algo que va mucho más allá que "aquella" película. En donde todo era reducido a "traumas" y "complejos" por padres estrictos. Podría decirse en cierto modo que son todos los temas de familia de aquella película, pero con un mensaje sano, apropiada para los niños, y mucho MUCHO más creativa visual y conceptualmente.

Entré para ver una película que solo pensé sería divertida, salí con una historia que me dejó muy conmovido. Si mi plan era despedirme de Pixar en su gloria yendo al cine, no solo lo logré, salí con una de mis películas favoritas de la compañía.

Posdata: La película empieza con un corto de Up con el que arranqué la peli llorando, precioso, precioso corto.

Posdata2: ¿Les gustaría que publicara una reseña a cada película de Pixar semanalmente, en orden de salida? En lo que preparó nuevos videos podría ser buena dinámica.


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Indiana Jones and the Dial of Destiny review

Posted : 8 months, 4 weeks ago on 4 July 2023 01:29 (A review of Indiana Jones and the Dial of Destiny)

Ayer vi Indiana Jones 5, no es gran cosa...

La primer mitad de la película consiste (en parte) en algo que había dicho una Review de esta antes de su estreno: "Vemos a Indiana Jones como un anciano roto e indefenso que se esconde en un rincón mientras su ahijada condescendiente toma la delantera". Las escenas de acción no fueron gran cosa, se asemejaban más a una película estándar de Hollywood. La comedia estaba bien, pero no era particularmente divertida. En general lo posiblemente entretenido de las secuencias era opacado por el hecho de que Indiana ahora es débil, está triste y no puede hacer más que añorar otros tiempos de gloria. Creí que la película no iba a gustarme, pero eventualmente me di cuenta de algo...

Esto en definitiva ya no es Indiana Jones, pero quizá, no pretendía tanto serlo. En la segunda mitad llegamos a la secuencia en la que el villano encuentra el artefacto principal de la película. En ningún momento es la "máquina del tiempo" de Arquímedes algo tan impresionante como el Arca de la Alianza, el Santo Grial o incluso, la Calavera de Cristal. El misterio tras el artefacto es poco, y el interés de Indiana por él en un inicio es nulo. Su razón de ser termina siendo más bien, lo que el villano quiere hacer con él; Cambiar el pasado. Lo mismo que Indiana, quizá incluso lo mismo que la deuteragonista...

Esto no es una película que pretenda repetir las glorias pasadas de la franquicia, algo que la Calavera de Cristal sí intentó hacer. Es más bien un epílogo. Un Indiana no en su gloria otra vez, si no después de su gloria, intentando volver a ella, pero siendo incapaz de hacerlo. No es algo que le podría gustar a un fan de Indiana Jones que únicamente quiere ver algo divertido, pero sí a uno que extraña películas como estas, y desearía que volviesen a existir...

Como fan de Indiana Jones desde niño, quizá desde los seis años incluso, al que le cautivó la acción, el personaje, la comedia. Y no ha dejado de amar al franquicia por el resto de su vida, esta película es todo lo que necesitaba e incluso más que eso. Al terminar la película, acabé con lágrimas en los ojos por todo el final y los créditos. No volví a emocionarme ni divertirme como lo hice de niño con Indiana Jones, pero sí pude despedirme de la franquicia como adulto. Para eso es esta película, para poder despedirse, no desde los ojos de volver al pasado, si no desde los ojos de recordarlo. De ver a un Indiana "débil y roto", pero porque ver películas en el cine actualmente se siente un poco como eso, y la película va sobre eso precisamente.

La última vez que se prometió en los cines un "regreso triunfal" de una franquicia así de amada fue con Star Wars. Esas secuelas fueron películas patéticas. Se podría decir que igualmente eran "débiles y tristes", pero por lo tanto que se despedazó esa promesa. En esta película pasó algo diferente, es triste, pero porque Indiana y compañía están conscientes de que ya no son jóvenes, y ya no es la época en la que las aventuras emocionantes sucedían. La acción es algo débil, la comedia no es muy divertida, pero en parte porque el propio Indiana no está disfrutando esta nueva aventura, no quiere estar en ella...

Al final, sin embargo. Eso está bien. Indiana vuelve a ser feliz no porque volviera a tener una aventura, si no porque acepta que ya pasaron esas aventuras, y por eso el presente está bien. En ese sentido, esta película prepara más al hecho de que ya no vuelvan a haber películas de Indiana, y, muy probablemente, una nueva película con Harrison Ford. No se trata de querer emocionarse como un niño de modo perpetuo, se trata de aprender a aceptar que eventualmente las cosas no serán como lo fueron alguna vez, pero puedes seguir amándolas y amar la vida, aun si no es por las mismas razones.

Ver a Harrison Ford volver a actuar en su último rol y ver todas las entrevistas sobre este, despidiéndose del personaje, e incluso llorando tras los aplausos en el festival de Cannes, son de lo más hermoso que jamás podría ver. Es un adiós a el como actor, él mismo lo ha dicho. Un adiós a sus personajes, un adiós a lo que significó para todos nosotros. Pero eso está bien también...

Lo que significa esta película es quizá más de lo que es en sí misma, aunque tampoco sería justo decir que lo que significa no es parte de la película en sí también, solo depende mucho de el cariño que tengas por las pasadas. En ese sentido, no saben cuánto significó para mi. La amé, amé cada segundo al final. Incluso cuando no estaba seguro de si me estaba gustando, terminé por aceptarlo. Es la última vez que veré a Indiana en la gran pantalla, la última vez que veré una de sus películas como nueva, y, al final, realmente amé cómo terminó, la amé como epilogo, amé su villano, y amé su conflicto a pesar de no ser "grandioso". No necesitaba ser más de lo que fue. La película duró dos horas, pero sentí menos de una hora en el cine. Terminó y me dije "¿ya acabó, esto fue todo?". Quería otra hora más, dos horas más, mucho mucho tiempo más. Quería quedarme aunque fuese por un momento, un poco más con estos personajes, con los que crecí y a los cuales amé, sigo amando, y seguí amando en esta película. Con los nuevos también, incluso con la "ahijada condescendiente", que en realidad termina aprendiendo a querer a los demás, y a demostrar su amor por los demás...

No tengo mucho que decir realmente. Solo, gracias a todos los que hicieron esta película.
Gracias a todos los que hicieron esta franquicia.

Y gracias, muchas muchas gracias a Harrison Ford, por darnos una última oportunidad de ver a su personaje. Al inicio como un "viejo triste", pero después como uno que aprende a vivir como nunca, y que por ende, me hizo tan tan feliz.

Gracias, gracias, gracias...


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A.I. Artificial Intelligence review

Posted : 9 months, 1 week ago on 22 June 2023 03:19 (A review of A.I. Artificial Intelligence)

La película es acerca de "la invisible red que une a todas las personas" (diálogo del personaje sexo sirviente). Lo que el creador de la serie de robots de David llama "el mayor defecto humano..."

Hay que entender algo en la peli. Si un robot puede simular un amor de forma tan genuina, que parece humano. Puede tener apariencia tan humana que sea indiferenciable con uno de verdad. Puede expresar sentimientos de socorro, dolor, tristeza, enojo, etc, que parecen genuinos... ¿Entonces qué significa ser humano en esta sociedad? La respuesta es: No significa nada. Porque si la actitud humana es rebajada a lo artificial. Si el amor es rebajado por la capacidad de poder ser simulado... ¿Entonces qué importa todo esto...?

El poder de auto consciencia humana no es discernible a nivel visible. Eso quiere decir que es "invisible". Sin embargo, existe una fachada que va relacionada a la auto consciencia. Eso es el cuerpo humano, sus actitudes, sus emociones, etc.
Cuando separas esa relación, entonces la fachada deja de significar algo, y por ende la auto consciencia difícilmente puede valorarse. Porque la forma de la auto consciencia es ahora banal. Entonces, en la película, los niños desprecian a David por ser artificial, mientras los que dicen "defender la vida" se divierten viendo figuras cuasi humanas siendo destrozadas solo por el hecho de ser hojalata y no identificarlas como vida. Al pasar esto sin embargo, la actitud, la apariencia, la expresión, es banalizada también para las personas. Si la máquina es tan indiferenciable de un humano, y solo por decirse "máquina", se empieza a volver motivo de desprecio, entonces ¿qué hace realmente que debas sentir aprecio por nada, si una etiqueta define lo que debes sentir por la fachada humana?
El personaje actuado por Jude Law, el sexo servidor, le dice a David al confrontarlo: "Sigues creyendo que ella te amará, pero no es así. Tu madre te quiere porque le brindas un servicio, así como yo brindo un servicio a las mujeres..." Las personas son ahora herramientas, intercambiables a martillos, tuercas y máquinas. Porque resulta que ahora es indiferenciable de una máquina. Lo que define "unión" es utilidad y servicio. Mucho se hace énfasis en "David quiere unir, fantasía con realidad"... Si la fachada, al ser despreciada se concluye en banalización de su interior. Entonces, aun si esta tiene en su interior un simple algoritmo mecánico, al final era más importante que fuese amado independiente a su servicio, aun si era máquina.

En la conclusión, pasan 2,000 años. Los humanos ya no existen, solo existen mecas avanzados creados por otros mecas que solo pueden anhelar tener propósito y por eso buscan los restos de lo que alguna vez solía ser humanidad. Lo importante es que, irónicamente, los restos de humanidad que hallan, no es un humano, es un robot. Pero aun así, el robot actúa tanto como humano, que termina siendo el reflejo mismo de lo que solía ser humano alguna vez.
Pasan dos cosas: El amor de David es un algoritmo, pero sí representa una realidad. La realidad de un padre que anhelaba volver a tener a su hijo fallecido de vuelta. Por otro lado, David, pide un último momento de ilusión con su madre. David obviamente le ama porque fue programado para eso, pero lo que cambió aquí, es que ahora su madre le ama de vuelta. Sin importar el interior, reconoce la humanidad en su fachada, y por eso es capaz de decir "te amo David, siempre te he amado". Eso es lo que hace que David pueda entrar al "mundo de los sueños". No ser reconocido como humano, si no poder haber sido amado. Si la madre de David le ama, significa que en lo más hondo de su interior, tuvo la capacidad de amar de verdad a un ser humano.

La madre de David en la secuencia final es la recolección su madre a partir de su memoria. O sea, es la materialización de ella a partir de las únicas pruebas de su existencia que quedan, dentro de él. Estas se agotan, por eso solo pueden ser 12 horas... Curiosamente, eso significa que David, sacrifica los restos de toda la humanidad solo para ese momento. Y en ese momento, para el cual fue sacrificado todo lo que quedó de humanidad; Así como David es la simulación de un niño humano que sí existió y del amor de un padre a él, se simula, con base en restos de realidad, la capacidad de su madre de poder amarlo, aun si solo era por unas pocas horas...

Si no queda claro. La película cimenta su final sobre su inicio. Esta empieza, con el dueño de la serie de máquinas de David preguntando "¿Acaso Dios creó a Adán para amarlo?". Su cuestionamiento surge, de la duda de si Dios ama a la humanidad. Ël no cree que lo haga, creó a la humanidad de forma aleatoria, no con amor. Pero en el final, no es David, la creación, el que debe probar amor a la raza creadora. Es el humano, demostrando su amor a la creación. De ese modo, demuestra un amor verdadero. Los humanos no somos Dios, pero existimos por amor. Lo mismo con la creación humana. La humanidad que ama, crea por amor, y por ello, en el paralelo mayor, así es como Dios ha creado.


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Mulan review

Posted : 9 months, 1 week ago on 22 June 2023 03:00 (A review of Mulan)

Si bien se puede interpretar como película de transición a la subversión ideológica en el cine respecto a los roles de los sexos. En realidad creo que Mulan, aun si "subversiva" para cierta época, en la actual es completamente incompatible. Mulan no es sobre la relatividad de los roles de cada sexo, es sobre la inevitabilidad de estos, es completamente contraria a la ideología moderna. Mulan, aun haciéndose pasar por hombre, no deja de ser mujer en rol y preferir el rol femenino. Los demás, pese a notar su gran fortaleza, notan rasgos característicos femeninos inseparables a ella aun si se hace pasar por un "él". La realidad es que esto, sería imposible de producir hoy día para una empresa como Disney.


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How to Train Your Dragon 2 review

Posted : 9 months, 1 week ago on 21 June 2023 04:26 (A review of How to Train Your Dragon 2)

En esta película es cuando se presenta de forma muy ingeniosa, reforzada por lenguaje visual, el tema de la dualidad como el principal en Cómo entrenar a tu dragón. Tras una primer película en que Hipo demuestra su cara de la moneda (femenina, pacífica, analítica) como contraposición necesaria a su padre (masculino, guerrero, pragmático), ahora Hipo es el que debe aprender de su padre para convertirse en la dualidad equilibrada.
Toda la película juega con esto; Los diseños, los dragones, el villano, los padres de Hipo, etc.


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Comments

Posted: 3 months ago at Dec 28 9:22
Hey thanks 4 participating in my list!! Have a Happy New Year :-D
Posted: 4 months, 3 weeks ago at Nov 5 13:39
Porque 4 a la Pomni si esta bonita :(
Posted: 5 months ago at Oct 30 5:05
DespuÉs de la muerte, viene lo riko papuuuuuu
Posted: 5 months ago at Oct 30 5:05
Despues de la vida, viene lo rico
Posted: 7 months ago at Aug 25 16:50
Las 2 primeras temporadas podrían ser decentes, incluso si no terminaban cabos, si la cortaban ahí, era pasable.
Pero la continuidad no solo arruina lo que se esta viendo, sino lo visto. Los nuevos personajes, todos desagradables y con personalidad, no solo eso, sino que los viejos que eran cuanto menos familiares y carismaticos se vuelven tambien insoportables. Raquel, la novia del profesor es la peor de todas, yo no la soporte de principio a fin. Los policías que cuanto menos uno podia decir, hacían su trabajo, pasan a ser unos psicopatas fanatizados enfermos de patriotismo y mas planos que una hoja en blanco.
Ni el profesor se salva, volviendose un Gary Stu, quizas, solo quizas, la historia pasada de Berlin sea lo mas decentico, mostrando al hombre detras del mounstro, pero si ignoramos hasta los problemas de esta parte, como ese beso innecesario con su amigo, no basta para salvar la bazofia que se vuelve. Su relación con su hermano es lo único que se mantiene respetable cuanto menos hasta al final.


La parte del oro inca y azteca en el banco es inaguantable, como si no hubieran museos públicos así en todo el mundo, o en hispanoamerica no hubieran museos dedicado a las riquezas aborigenes, lo peor es que efectivamente hay gente que se compra este discurso.

las 2 primeras temporadas: un rule of cool que mezcla acción con inteligencia (pero tambien conveniencia)

las 3 temporadas posteriores, soporiferas.
Posted: 8 months, 2 weeks ago at Jul 13 17:32
C hola
Posted: 10 months, 1 week ago at May 21 23:02
Posted: 2 years, 3 months ago at Dec 13 2:19
YAAAA TERMINA PRINCESS TUTU MARIKONG :v
Posted: 2 years, 9 months ago at Jun 17 3:10
buenas david.
Posted: 2 years, 11 months ago at Apr 11 0:19
Gracias por el follow, man.
Muy PODEROSA la razón la verdad.
Posted: 3 years, 6 months ago at Sep 18 23:00
Thanks for the vote on this:

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